失って、はじめて気づくものの価値。
いくつかのことに言えることだと思うのだが、
これに同意してくれる人は多いはず。
「昭和の歌手は、本当に歌がうまかった」。
なので、今回はそれについて少し掘り下げてみる。
昭和の歌手たちの「歌のうまさ」は、単なる技巧的な問題ではなく
時代の中で培われた、総合的な表現力の結晶だった気がする。
当時はテレビの歌番組や音楽番組が全盛期にあり、生放送や一発録りの環境が当たり前で
歌手には常に安定した歌唱力と瞬発的な表現力が求められた。
現在のように、編集や補正にあたりまえに頼ることができない時代において
歌手の実力はテレビを通して、そのまま視聴者に届いていた。
※クチパクという逃げ道もあったが、比率としてはリアル歌唱が多かった
大御所というより、もはや昭和歌謡と言う世界において
神様のような存在だった美空ひばりの実力と才能は、
ひよっこの私が何か言うのはおこがましすぎるし、そのすごさを表現するボキャブラリーもないので
「絶対的・圧倒的な日本一」という表現で許されればと思う。
そしてここからもおこがましいんだけども、それだと話が進まないので
私が物心ついてから青春時代をともに過ごした昭和の歌手たちの「うまさ」について振り返ってみる。
たとえば沢田研二。彼は、楽曲ごとに表現を巧みに変化させ
まるで役者のように、歌の世界を演じ分けた。
単に音程を表わすのではなく、言葉の置き方や間の取り方によって
楽曲のドラマ性を最大限に際立たせる点が特徴だった。
上質なビロードのような声質と聴き手を陶酔させる歌唱力で、そのドラマを一流のものにした。
西城秀樹は、圧倒的な声量と伸びやかな高音を武器に
ダイナミックでエネルギッシュで、聴き手に熱量を体感させる歌唱を確立した。
ステージ上での身体表現と一体となった歌は、まさに「魅せる歌唱」の典型だった。
そして布施明は、クラシカルな発声と正確無比な音程、圧倒的な声量も武器に
楽曲の構造を丁寧に描き出す歌い手だった。
過度な装飾に頼らず、純粋な歌唱力で聴かせるそのスタイルは
昭和歌謡の中でも特に完成度が高かった。
女性歌手に目を向けても、その表現の多様さは際立っている。
松田聖子は、透き通る伸びやかな声質を活かしながら
細やかなリズム感と語尾の処理によって、独自の世界観を築いた。
可憐さの中に計算された表現があり
観るかわいらしさとともに、「聴かせるかわいらしさ」を成立させた。
中森明菜は対照的に、低音域を基調とした陰影のある歌唱で
内面の感情を深く掘り下げる表現を得意とし、
息遣いや抑制の効いた歌い回しによって楽曲に独特の緊張感をもたらし
聴くものをその世界の深淵へとひきずりこんだ。
さらに岩崎宏美は、圧倒的な声量と音域の広さ、そして安定感を兼ね備えた実力派として
どんな楽曲でも高い完成度で歌い上げ、気持ちの良い音と世界を聴き手に届けた。
そして山口百恵は、技術的な側面だけでなく
言葉に込める感情の深さによって聴き手の心に訴えかけ
その表現は、年齢や理屈を超えた強烈な説得力を持っていた。
こうして昭和の歌手たちは、それぞれに異なる方向性で「うまさ」を体現していた。
発声、音程、リズムといった基礎的な技術だけでなく、楽曲解釈や感情表現、
さらには視覚的なパフォーマンスまでもが一体となって
一つの完成された表現として成立していたのだ。
それは、歌番組という実践の場に鍛えられた経験と、厳しいレッスン環境が
それぞれの個性をより鮮明に際立たせていたともいえる。
まさに昭和歌謡は、”本物たちによる歌”だったのだ。
同じ「歌がうまい」という言葉でも、その内実は一様ではなく
歌手ごとに異なる美学と方法論が存在した。
それこそが、昭和歌謡というコンテンツが
時代を超えてもなお、多くの人々を惹きつけ続ける理由なのだと思う。
当時は彼らの歌のうまさを、当たり前だと思っていた。
でも、失って、はじめて気づくものの価値。
そして「昭和歌謡」は、永遠に不滅のコンテンツとして
これからも時代を越えて、人の心に響き続けていくに違いない。
と、私は思っている。
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